Степан Пала (Štěpán Pala)

     Родился в чешском городе Злин в 1944 году. В 19 лет окончил художественную школу стекла в городе Каменицкий-Шенов (Kamenický Šenov), после чего работал несколько лет в чешской стекольной промышленности. В 1969 году поступил в Академию изящных искусств Братиславы (Словакия), где проучился 6 лет на факультете стекла Вацлава Циглера (Vaclav Cigler), став одним из выдающихся студентов академии. Пала живет и работает в Братиславе вместе со своей женой Зорой Паловой (Zora Palova).

     Расплавленное в специальных формах стекло он использует для создания вложенных друг в друга объектов и переачи их внутренних отражений. Яркая насыщенная палитра способствует максимальному усвоению цвета, обостряя при этом внутренние противоречия стекла.

     Окончательная отделка в "холодных" техниках имеет ни чуть не меньшее значение для его работ, чем первичная обработка, высокая точность которой существенна при архитектурном построении композиции.

     Яркий блеск света в работе "Зеленое пространство" (2007) как бы говорит нам о том, что свет - это не просто наживка : наделенная силой форма придает свету особый метафорический смысл. Новоприобретенное качество зеленого пространства, втиснутого в светлый участок стекла, излучает энергию, творческий потенциал которой струится наружу.

     Это энергетическое сердце порождает жизнь, а слово "пространство" в названии работы указывает на более глубинный смысл, представляя собой точку вечности в центре вселенной, вращающейся вокруг своей оси.

Давиде Сальвадоре (Davide Salvadore)

     Родился в 1953 году на венецианском острове Мурано (Италия). Будучи подростком работал ассистентом в таких престижных стекольных домах, как Venini и Barovier & Toso, пока не присоединился к семейному делу матери по изготовлению и продаже украшений из стекла. В 1987 году открыл собственную студию в Мурано, где продолжает работать и по сей день.

     Сальвадоре предложил новую трактовку классическим венецианским техникам выдувания стекла, стимулируя их развитие за счет использования стеклянных прутков, цветовых слоев и областей интенсивной гравировки, рождающих в нашем воображении образы африканского искусства.

     Творчество автора представляет собой гибридный фантом струнных музыкальных инструментов с богато расшитыми тканями, покрывающими поверхность гравированного стекла. Намек на материализацию в стекле мягкого дерева, превращающего его в резонатор музыкального инструмента, создает экзотическое сочетание холодных и горячих материалов, вызывая тем самым ощущение музыкального контрапункта.

     Произведение Сальвадоре "Tiraboson: Rizo" (2009), как и другие объекты этой серии, напоминает археологическую находку древней ближневосточной культуры. Однако ее родословная берет свое начало из наших дней, основываясь на популярной в последнее время тенденции придумывать новые формы, скрещивая материалы и функции наподобие генной инженерии. Работа Сальвадоре имитирует придуманный им самим объект, объект поэтико-инженерной мысли.

Официальныйсайт Давиде Сальвадоре:

www.davidesalvadore.com

Данте Мариони (Dante Marioni)

      Родился в 1964 году в Милл-Вэлли (Mill Valley), Калифорния. Его отец Пол Мариони был одним из пионеров американского движения студийного стекла (Studio Glass), поэтому стеклодувное искусство раскрылось перед Мариони в раннем возрасте. Когда ему было 15 лет, семья переехала в Сиэтл; там он провел летние месяцы в школе стекла Пилчук, в которой преподавал его отец. После окончания средней школы Мариони решает связать свою карьеру со стеклодувным делом и становится мастером.

     Мариони работает в самой традиционной манере: процесс изготовления начинается с первичного выдувания стекла, после чего изделие подвергается повторному выдуванию и приданию формы, возвращается обратно в печь для разогрева, проходит стадию дополнительной обработки, покраски и формирования ручек, а в завершении - снимается со стеклодувной трубки и помещается в калильную печь для остывания.

     В ходе работы он держит в ладонях расплавленное стекло, которое на глазах принимает нужное облачение, оставаясь при этом податливым и защищенным не более, чем пропитанная водой газета.

     Произведение Мариони "Желтый с черным ящик" (Yellow Box with Black, 2008) является тренажером в получении визуального удовольствия, - любой успех в этом процессе связан с созерцанием сути его работ. Автор ухватывает формы предметов в их чистом виде, исследуя весь диапазон образов и вариаций, в точности повторяя каноны классической музыки.

     Постоянное раскачивание между строгими формами и играми на детской площадке приносит  визуальное наслаждение и вовлекает нас в интеллектуальную беседу с автором.

Официальный  сайт Данте Мариони:

www.dantemarioni.com

Уильям Моррис (William Morris)

 

     Родился в 1957 году в городе Кармель, США. Учился в Калифорнийском Университете в Чико (California State University, Chico), а затем - в Университете Вашингтона в Элленсберге (Central Washington University, Ellensburg) по направлению керамики. В 1978 году устроился на работу водителем в школу стекла Пилчук в Стенвуде (Pilchuck Glass School, Stanwood). Позднее начал работать вместе с Дейлом Чихули, основателем учебного заведения, впоследствии став главным стеклодувом школы. Моррис оставался с Чихули на протяжении 10 лет пока не основал собственную студию в 90-х годах. В 2008 году прекратил заниматься искусством.

     Моррису удалось разработать множество различных техник, которые он применял на практике в бесконечных сериях своих работ. В ранних произведениях пиктографического характера он заливал раскаленное стекло в формы, а затем окрашивал его, добиваясь серьезных результатов в без того сложной технике.

     В серии работ "Стоящие камни" Моррис сначала плавил стекло, вытягивая его в длину, затем вдувал его в деревянные формы, после чего подвергал цветовой обработке, придавая стеклу нужную текстуру и форму поверхности.
     Умению Морриса ваять из расплавленного стекла скульптуры наподобие человеческого скелета свойственна необычайная тонкость исполнения.

     Его работа с многозначным названием "Охотник" (Hunter, 1988) ставит перед нами вопрос: о каком охотнике идет речь? Видим ли мы перед собой останки скелета примитивного человека, когда-то бродившего по земле в поисках пищи для пропитания. Или охотник - это не что иное, как метафора времени, косящего каждого из нас ?
     Так или иначе, хрупкие сияющие кости, представленные Моррисом, являются воплощением текучего времени, символом окончания любой жизни, темой "Моменто мори", к которой автор постоянно прибегает в своих работах.

     В других произведениях Морриса можно также увидеть разрозненные фрагменты стекла, лежащие рядом друг с другом, образуя единую картину повествования. В духе модернистских скульптур Моррис выкладывает их прямо на пол или демонстрирует на низкой поверхности.

     Аналогично известной скульптуре Джакометти "Женщина с перерезанным горлом" (1932) охотник Морриса представляет линейные и извилистые формы с визуально ощутимой энергией их вибрации. Он максимально использует взаимоотношения твердых тел и заключенного между ними пространства.

Официальный сайт Уильяма Морриса:

www.wmorris.com

Тобиас Моль (Tobias Mohl)

     Родился в 1970 году в городе Ольберг (Aalborg), Дания. В возрасте 19 лет устроился подмастерьем на стекольную фабрику Холмгард (Holmegaard) неподалеку от Нестведа (Naestved), где в 1992 году получил разряд мастера. В продолжении своего пути берет три мастер-класса у Лино Таглиапьетра (1996, 1997, 2000), оказавшего значительное влияние на его художественный стиль. В настоящее время является владельцем студии стекла в Эбельтофте (Ebeltoft), где работает со своей женой Трине Дрившольм (Trine Drivsholm).

     Моль предпочитает классические скандинавские формы и одновременно использует венецианские техники. Поверхность его сосудов, сотканных из стеклянных прутков, напоминает фактуру ткани, орнамент которой переносится со стальных форм во время плавки изделия, а узоры сливаются с объектом, оставляя свой след на стекле.

     В работе "Тарелка с черными кружевами" (2009) тонкая грань между красотой и функциональностью проходит по деликатной и лаконичной палитре черно-белых цветов, образуя на поверхности стекла танцующие узоры символов. В первую долю секунды наш взгляд приковывает поверхность стекла, а затем прозрачность сосуда увлекает его в иную сторону, подчеркивая объем пространства, заключенный внутри.

     Визуальное удовольствие, которое мы испытываем, является центральной частью работ Моля, находя свое отражение в блюдах, сосудах и вазах автора. Он облачает их в торжественные наряды и драгоценности, поскольку главная задача этих предметов - радовать глаз, а не служить в быту. Хотя в сакральных целях они и не используются, может  быть они послужат утешением для человеческой души.

Официальный сайт Тобиаса Моля:

www.mohl-drivsholm.dk

Лино Таглиапьетра (Lino Tagliapietra)

     Родился в 1934 году в Италии на венецианском острове Мурано. В возрасте 11 лет работал подмастерьем у известного виртуоза Архимеде Сегузо (Archimede Seguso), а спустя 10 лет, в 1955 году получил звание Маэстро. После этого работал мастером-стеклодувом и дизайнером в итальянских стекольных домах Гальяно Ферро (Galliano Ferro), Венини (Venini), Ля Мурина (La Murrina) и Эффетре Интернейшнл (Effetre International).

     В 1983 году в ходе совместного мастер-класса с датско-голландским художником Андрис Дирк Копьер (Andries Dirk Copier) обнаруживает в стекле творческий потенциал самовыражения, а в 1988 году открывает собственную студию в Мурано.

     Таглиапьетра выдувает горячее стекло в духе классических венецианских мастеров: растягивает цветные стеклянные прутки в тончайшие нити и складывает из них прямые повторяющиеся узоры. Он разработал уникальную технику вращения оси выдуваемого  объекта для образования на его поверхности сложных орнаментов, которые затем дорабатывает в "холодных" техниках шлифовки и гравировки.

     Как и подобает одному из величайших мастеров актуального искусства стекла, Таглиапьетра демонстрирует нам полное владение предметом и контроль над материалом в работе "Динозавр" (Dinosaur, 2005). Вытянутое вверх и изогнутое в галлюциногенную петлю горло сосуда с излишней легкостью позволяет дотронуться до расплавленного стекла. Несмотря на забавное название, автор полагает, что его динозавр - это не птица, порхающая в небе, а, по сути, материальное существо, тяготеющее к земле, сделанное из материала чуть менее твердого, чем мы ожидали.

     На протяжении своего творческого пути Таглиапьетра проявлял большой аппетит к обновлению классических форм, когда разрабатывал все более и более сложные техники и цветовые решения. Похоже, что его руки способны сделать из стекла все, что он только пожелает. При этом в элегантных работах мастера всегда остается что-то от хозяйской руки ремесленника, - что-то, что отражает происхождение материала и его культуру.

     Все разнообразие работ Таглиапьетра, включая вазы и блюда, произведения с упрощенными формами и даже рисунки на стекле вроде "Shamamdura" (1999), характеризируются оптическим блеском декоративной традиции, выдающей любовь автора к текстурной поверхности.

Официальный сайт Лино Таглиапьетра:

www.linotagliapietra.com

Юлиус Вайланд (Julius Weiland)

 

     Родился в 1971 году в городе Любек, Германия. В 1995-2000 гг. изучал промышленный дизайн у Кицухито Нишикава (Katsuhito Nishikawa) и Энн Вульф (Ann Wolff) в Академии изящных искусств Гамбурга (Hochschule fur Bildende Kunste). После этого продолжил учебу в школе стекла Пилчук (Pilchuck Glass School) в Стенвуде, США, а затем прошел курс практической подготовки на стекольных заводах Швеции.

     В 2001 году завершает обучение и получает диплом гамбургской академии искусств. В настоящее время работает вольным художником в Берлине, где открыл собственную студию на заброшенном заводе.

     Стекляные трубки промышленного производства, обычно используемые в лабораториях, служат сырьем для работ Вайланда. Сначала он разрезает их, а затем сплавляет в термоустойчивых формах, изготовленых собственными руками.

     Он управляет процессом плавки, убавляя огонь, пока трубки еще сохраняют свою форму, или же выключая его, когда те начинают проявлять признаки разрушения.

     Органичные формы, рождаемые техникой Вайланда, относятся к атуальному искусству и перекликаются также с пост-минимализмом скульптур Евы Хессе (Eva Hesse). Они не представляют чего-то конкретного и одновременно указывают, как в работе "Пленум" (Plenum, 2008), на процесс формального дробления - варьирования формы объекта со сложной и уникальной по своей сути структурой.

     Такая неоднозначность работ Вайланда становится возможной благодаря хрупкости стекла и проходяшим сквозь него лучам света. Акцент при этом ставится на рассмотрение структуры органических форм как места, где встречается природа и творение человеческих рук.

Официальный сайт Юлиуса Вайланда:

www.juliusweiland.com