Борис Шпейзман (Boris Shpeizman)

     Родился в 1969 году в Санкт-Петербурге (бывший Ленинград). После окончания учебы на врача-стоматолога в 1988 году эмигрировал в Израиль. Спустя несколько лет работы дантистом начал рисовать и практиковаться в скульптуре, а затем поступил на учебу в Академию искусств Бецалель (Bezalel) на факультет керамики и стекла. В 2005 году Шпейзман получает первую степень в области искусств, после чего закрывает стоматологический кабинет и посвящает все свое время стеклодувному делу. В настоящее время владеет студией в Тель-Авиве, где дает мастер-классы по "горячей" обработке стекла и преподает в иерусалимской Академии искусств Бецалель.

     Шпейзман использует техники выдувания стекла на языке горячего пламени, сочетая в своих скульптурах элементы, отлитые из меди, - уникального металла, чьи свойства наиболее близки к расплавленному стеклу во время его плавки и остывания.

     Тема гниющих фруктов уже давно известна в истории искусств и литературы. Вспомните яблоко, брошенное в несчастного Грегора Замза, ставшего насекомым в новелле Франца Кафки "Превращение". Или почерневшие фрукты с кружащими вокруг мухами в натюрмортах голландских художников, напоминающие нам всей своей роскошью и буржуазным комфортом о том, что смертный час близок и неотступно идет.

     В работе "Исповедь" (Confession, 2009) Шпейзману удалось совместить гниль и богатую декоративность в одном символическом жесте, демонстрирующем наши земные успехи, а вместе с ними и утраты. Большая ирония скрывается в этих объектах, вызывающих чувство отвращения к продуктам гниения и одновременно притягивающих взор к блестящей поверхности цветного стекла. Наряду с этим, понятие надкусанного яблока также вызывает в памяти образ какого-то иного места, существовавшего в незапамятные времена, по крайней мере в нашем воображении, места абсолютной свободы от иронии и безжалостных укусов времени.

Официальный сайт Бориса Шпейзмана:
http://www.hotglassnews.com

Хосэ Шардье (Jose Chardiet)

 

     Родился в Гаване (Havana) на Кубе в 1956 году. В возрасте 4 лет эмигрировал с родителями в США, поселившись в Нью-Хевене (New-Haven). В 1980 году получает первую степень в Университете Южного Коннектикута (Southern Connecticut University), а спустя 3 года заканчивает учебу на вторую степень в Университете Кент (Kent State University). В 1991 году занимает должность профессора по стеклу и скульптуре в Университете Иллинойс в Урбане-Шампэйн (University of Illinois at Urbana-Champaign), параллельно занимаясь преподавательской деятельностью в школе стекла Пилчук в Стенвуде (Pilchuck Glass School). В 2000 году покидает университет и открывает собственную студию в городе Провиденс, Род-Айленд, где живет и работает и по сей день.

     Шардье предпочитает классические техники выдувания и отливки стекла, прибегая к горячей обработке цветовых слоев, гравировке и металлическим инкрустациям, выполненным с точностью ювелира. Прозрачность, запечатленную в стекле, Шардье использует для открытия сердца своих скульптур перед глазами зрителей.

     Слово "история" (или "рассказ") в переводе с испанского "cuento" наглядно демонстрирует нам широкий полет мысли Шардье. Его работы можно сравнить с короткими путешествиями по ту сторону моря, рассказанными из уст его абстрактных образов, пусть даже с трудом узнаваемых.

     Работа "История" (Cuento, 2007) ухватывает подобное мгновение. Даже угол наклона фигур в композиции раскрывает перед нами их сущность в момент беседы или игры. Система жестикуляции этих фигур наметана легкой рукой, и мы можем в них угадать, как, возможно, представляет и сам Шардье, персоны с царского двора, облаченные в золото и серебро.

Официальный сайт Хосэ Шардье:
http://www.josechardiet.com

Яромир Рыбак (Jaromir Rybak)

     Родился в 1952 году в городе Пльзень (Plzen), Чехословакия, в настоящее время живет и работает в Праге. После окончания 4-летнего курса обучения в школе прикладных искусств и стеклоделия Железного Брода (Zelezny Brod) учился на дизайнера изделий из стекла в пражской Академии прикладных искусств (1979-1973 гг.) у профессора Станислава Либенски (S.Libensky).

     Рыбак создает нетривиальные скульптуры из стекла в излюбленных техниках плавления и отливки изделий в формах, перенятых им от учителя Станислава Либенски. Окончательная отделка производится в "холодных" техниках пескоструйной обработки, шлифовки и гравировки.

     В его работе "Диалог" (Dialogue, 2007) странная рыба из какого-то доисторического периода, напоминающая своим видом комичный персонаж, сочетает в себе одновременно юмор и гротеск, характерные всему творчеству автора. Метафора довольно ясна, или, как говорит сам Рыбак, - мы неоднократно чувствуем потребность в диалоге, но слова наши раскалываются под острыми зубами.

     Эта аксиома находит свое выражение в нарочитой грубости дизайна, скрывающей высокую ранимость человеческой души и уязвимость плоти, обрушиваемой на другое создание из мира природы.

 Официальный сайт Яромира Рыбака:
http://www.rybakjaromir.cz

Дафна Кафман (Dafna Kaffeman)

     Родилась в 1972 в Иерусалиме. В 1994-1996 гг. училась на отделении стекла и керамики в иерусалимской Академии искусств Бецалель (Bezalel), затем продолжила обучение в Академии Геррит Ритвельд (Gerrit Rietveld), Амстердам (1997-1999) под руководством Ричарда Мейтнера (Richard Meitner) и Мике Грут (Mieke Groot). Вторую степень в области искусств получила в 2002 году в Институте Сандберга (Sandberg Institute), Амстердам. Кафман живет в городе Яффо (Израиль), где расположена ее студия. Помимо независимой творческой деятельности читает лекции и стоит во главе факультета стекла в академии Бецалель.

     Кафман работает в различных техниках, включая выдувание, плавление, отливку и печать на стекле. Она предпочитает работу с газовой горелкой, нагревая и обрабатывая стеклянные прутки на языке горячего пламени. Эта техника позволяет ей вступить в прямой контакт с раскаленным стеклом.

     Работа Кафман "Твоя печаль - моя печаль" (2009) пропитана горечью с двух сторон - болезнетворной политикой государства и надеждой, не уступающей в хрупкости стеклянному цветку, украшающему текст композиции. Название работы представляет собой цитату Махмуда Талузи (Mahmoud Taluzi) из Назарета, лишившегося двух своих сыновей во Второй ливанской войне: "Твоя печаль - моя печаль. Если ты меня чувствуешь, я почувствую тебя. Ты не чувствуешь меня, - я не почувствую тебя." Работа Кафман обладает концептуальным характером, сочетая в себе различные материалы: например, платок является символом грусти, а затронутой скорби соответствуют нежные цветы из стекла, с трудом удерживаемые под собственным весом.

     Тяжелая сила утраты и брошенный в зрителя политический заряд пробуждают назревшую необходимость перемен. И нам до сих пор не ясно, когда же наконец, и вообще, сумеет ли простая человеческая потребность породить столь нужную встречу между независимым художественным мнением и политическим режимом страны.

Официальный сайт Дафны Кафман:

http://www.dafnakaffeman.com

Даниэль Клейман (Daniel Clayman)

     Родился в 1957 году в городе Линн (Lynn), США. Еще до того, как получил  профессиональное образование в области искусств, работал художником по свету в театре. В 1986 году закончил учебу на отделении стекла в школе дизайна Род-Айленда (США), после чего открыл собственную студию неподалеку от Провиденса, где занимается творческой деятельностью и по сей день.

     Клейман отливает свои работы в формах, используемых для создания больших и малых скульптур, противопоставляя их жесткий характер "отрицательному" и пустому пространству и вызывая чувство равновесия или напряжения. Когда температура плавления стекла достигает максимальной отметки, цветовой пигмент начинает плавиться, и воздух поднимается вверх. А после того, как стекло немного остынет, воздух схватывается внутри в виде маленьких пузырьков с зависшей над ними прослойкой цвета. Это состояние Клейман использует в художественных целях для придания своим скульптурам разнообразных форм и текстур.

     Базовые формы его работ, конус и круг, отсылают нас к идеалистическим воззрениям Платона о божественном совершенстве и человеческом мироукладе. "Диафрагма 4" (Aperture 4, 2009) в точности повторяет такую платоновскую фигуру - простой конус, отделанный изнутри матовым стеклом и облаченный в бронзу.

     Фокусировка взгляда на геометрии в ее чистом виде наделяет скульптуры Клеймана силой даже при их малом масштабе. Его творчество как бы продолжает диалог, начавшийся с рисунков Сезанна в конце 19 века, подхваченный различными направлениями искусства 20 века: от кубизма до минимализма, и взятый на вооружение такими удивительными мастерами актуального искусства, как Мартин Пурьер (Martin Puryear), Мона Хатум (Mona Hatoum) и сам Клейман.

Официальный сайт Даниэля Клеймана:

http://www.danielclayman.com

Джои Киркпатрик (Joey Kirkpatrick) и Флора Мейс (Flora Mace)

     Джои Киркпатрик родилась 1952 году в Де-Мойне (Des Moines), США, а Флора Мейс - в 1949 году в Эксетере (Exeter), Великобритания. Встреча между двумя художницами произошла в школе стекла Пилчук в Стенвуде, США (Pilchuck Glass School, Stanwood) в 1979 году, в которой они обе учились на протяжении 12 лет. Они ведут совместную творческую деятельность уже более тридцати лет, совмещая при этом домашние дела и работу в студии в Сиэтле и загородной резиденции на полуострове Олимпик (Olympic) в штате Вашингтон.

     Киркпатрик и Мейс создают разнообразные по своей сути работы, включая предметы, выдуваемые из стекла, а также скульптуры из дерева, стекла и бронзы. Заманчивые формы их фруктов и овощей рождаются в уникальном процессе, уходящего корнями к техникам двухмерного рисунка. Словно на стеклянном холсте они укладывают слоями краски, а вместо кисти обдувают языком горячего пламени цветные смеси из стекольного порошка. В результате получаются трехмерные объекты с расписанной поверхностью, цветовые сочетания которой поражают соей реалистичностью. В стеклодувной мастерской эти плоды словно оживают в момент прикрепления к ним черенка.

     Длинная история классического натюрморта, возникшего как самостоятельный жанр в Голландии в 17 веке, опирается на основополагающие принципы трехмерного реализма "Trompe l'oeil", ставящего своей задачей обмануть наши глаза, и технику "Memento mori" ("Суета сует"), произведения которой напоминают нам о быстротечности всего земного и неизбежности смерти.

     Работа "Группа фруктов" (Fruit Grouping, 1997-2000) проходит по тонкой грани необъятных размеров композиции, завлекающей нас на праздник изобилия, и историческим намеком на смертность любого существа. С этой точки зрения сотворение фруктов из хрупкого стекла придает дополнительный пафос знакомым нам темам в духе "sic transit gloria mundi" - "так проходит слава мира".

Официальный сайт Джои Киркпатрик и Флоры Мейс:

http://www.kirkpatrick-mace.com

Владимир Копецкий (Vladimír Kopecký)

     Родился в 1931 г. в городке Своянов, Чехословакия. После окончания художественной школы стекла в Каменицкий-Шенове (Kamenický Šenov) и Новом-Бору (Nový Bor) поступил в Пражскую академию изящных искусств (Academy of Decorative Arts), где с 1949 по 1956 гг. учился у Иосифа Каплицкого. В настоящее время живет и работает в Праге, занимая пост руководителя студии стекла в Академии искусств, архитектуры и дизайна.

     Копецкий выстраивает прозрачные поверхности оконного стекла слой за слоем, образуя основу трехмерной композиции. На следующем этапе он беспорядочно наносит на них широкие мазки краски в стиле "импасто", одновременно используя деревянные и металлические детали, куски разбитого стекла, рельсы и другие предметы обихода для составления экспрессивного коллажа, а иногда предпочитает оставлять поверхность объекта в полной наготе.

     Искусство Копецкого характеризуется двумя визуальными направлениями, отражающими тягу к эмпирическому аспекту жизни и спекулятивной философии. Некоторые его работы (в особенности, рисунки) представляют собой поверхность, сжатую в определенном жесте, одновременно создающую абстракцию, которая перекликается с названием работы и демонстрирует нам какое-то утверждение. Другие произведения автора поражают своим неотесанным видом и наготой.

     Ирония его работы "Надгробная плита" (1996) заключается в том, что монумент, возведенный в честь какого-то человека, изготовлен из материала, не уступающего своей хрупкостью самой жизни, - прозрачного, насыщенного водой занавеса, на поверхности которого можно представить зеленые луга и прочие явления повседневной жизни в состоянии болезненности, не имеющей себе равных.

     Визуальная простота Копецкого, уходящая своими корнями в минимализм 60-х, излучает холод и непроницаемость, будто все, что мы видим на поверхности "Надгробной плиты" и за ней, - задержано во времени.

Дейл Чихули (Dale Chihuly)

     Родился в 1941 году в городе Такома (Tacoma), США. В 1965 году заканчивает учебу на дизайнера интерьеров в Университете Вашингтон, а спустя два года получает вторую степень по скульптуре в университете Висконсин, переняв стеклодувное мастерство у Харви Литлтона (Harvey Littleton). В 1968 году получает еще одну степень по керамике в школе дизайна Род-Айленда (США). Через некоторое время открывает в ней курс обучения стекольному ремеслу и преподает более десяти лет. В 1971 году основывает школу стекла Пилчук в Стенвуде (Pilchuck Glass School). С 1985 года живет и работает в Сиэтле.

     Чихули использует выдуваемое им стекло для создания различных скульптур с мягкими формами: корзинок, морских существ, объектов, именуемых им "Персами" (Persians) и "Венецианцами" (Venetians). Свойство текучести материала в его работах достигается путем введения специальных добавок, называемыми фриттами или "джиммис" (frits, gimmies), которые кладутся в оптическую форму объекта, после чего тот помещается в печь для дополнительного разогрева. В результате орошения объекта небольшим количеством вещества с одновременным вращением на стеклодувной трубке изделие покрывается тонким слоем цвета и принимает художественные черты.

     Чихули фактически был первым, кто начал создавать люстры, состоящие из большого числа элементов выдувного стекла, подвешанных на одном металлическом каркасе. Это он привез в США венецианские техники работы в команде из нескольких человек, что позволило ему создать сложнейшие произведения искусства из стекла, сочетая традиционные и новаторские подходы.

       Необыкновенно высокие амбиции Чихули, который собственным трудом за более чем сорокалетний период творческой деятельности оставил глубокий след в центральном течении современного искусства и за его пределами, воплотились в многомерной работе автора "Люстра Смородина со льдом" (2000).

     Упор на венецианские традиции художественного стекла несет с собой исторический груз стиля Рококо. Его работа поглощает пространство и маневрирует нашими зрительными рецепторами, в то время как сама мечется между игривой декоративностью и ужасом, который внушает образ страшной медузы. Чихули получает удовольствие, вытягивая до предела частоту колебаний цвета и материала, играя с диапазоном сил между гравитацией и парением, со страстью предаваясь динамике как самоцели.

     Он демонстрирует нам безграничную жадность человека, несущегося по склону горы и сметающего со своего пути физические преграды передовой человеческой мысли. Свободные и необузданные творения Чихули, характеризующие все творчество автора, как бы утверждают, что выдуваемое им стекло способно не только выдержать массу монументальной скульптуры, но и проявить художественную свободу абстрактного рисунка.

     А пока, все что создает Чихули, будь то бесформенный объект, не имеющий явного предназначения, ваза или цветок, заросли тростника, излучающие странное свечение, – все они представляют одно и то же соотношение размера, виртуозности и фантазии.

Официальный  сайт Дейла Чихули:

http://www.chihuly.com

Вацлав Циглер (Václav Cigler)

     Родился в 1929 году в чешском городе Всетин (Vsetín). После окончания художественной школы стекла в 1951 году поступает в Пражскую Академию изящных искусств, где учится 6 лет у Иосифа Каплицкого (Josef Kaplický). В 1965 году основывает факультет стекла в Академии искусств Братиславы, которым руководит до 1979 года. В настоящее время работает вольным художником в Праге.

     Циглер создает призматические фигуры, срезая грани у расплавленных фрагментов оптического стекла и хрусталя, и помещая вовнутрь выпуклые и вогнутые линзы. Он часто дополняет свои работы светоотражающими элементами вроде зеркала и нержавеющей стали.

     Его работа "Черная полусфера с оптической линзой" (Half Black Sphere with Optical Lens, 2008) представляет собой глаз, лежащий одновременно в трех измерениях: поверхности, объема и формы. Мы смотрим на поверхность объекта будто бы сквозь него, а когда внешняя оболочка стекла увлекает взгляд к размещенной внутри форме, мы начинаем внимательно ее изучать.  Возможность прикоснуться взглядом к твердой материальной форме придает "Черной сфере" безмолвное качество чего-то вневременного. Это качество создает у наблюдателя чувство, будто он вышел на мгновение из своего тела и освободился от своего Я.

     Данная философская мысль проходит центральной нитью через работы Циглера: его стройные геометрические фигуры управляют вниманием зрителя, напоминая произведения минимализма 60-х годов, в особенности, творчество Дональда Джадда (Donald Judd).

     Вместе с тем использование стекла обогащает эту иллюзию восприятия дополнительной гранью, - интенсивность света создает сияющее присутствие, выжимающее из произведений Циглера максимальную геометрическую строгость и наделяя их потенциалом монументальных скульптур, устремленных вверх, или объектов величиной с дом.

Зора Палова (Zora Palová)

     Родилась в 1947 году в Братиславе, Чехословакия. В 1967 году закончила школу прикладных искусств. Затем училась рисунку и скульптуре в академии изящных искусств Братиславы (Academy of Fine Arts and Design), а спустя 2 года перевелась на факультет стекла в архитектуре Вацлава Циглера (Vaclav Cigler). После окончания учебы в 1975 году начала работать вольным художником в Братиславе, где ее скульптуры и украшения из стекла привлекли внимание критиков и удостоились больших наград.

     В 1996-2003 гг. возглавляла факультет скульптуры из стекла британского Университета Сандерлэнд (University of Sunderland), где читает лекции до сих пор в качестве свободного преподавателя. Палова живет и работает в Братиславе вместе со своим мужем Степаном Пала (Štěpán Pala).

     Техники Паловой отлично демонстрируют скрытый характер расплавленного стекла. Ее первые литые работы обладают крепкой и осязаемой текстурой. Когда Палова отливает полуматовые композиции из так называемого "стекла малой вязкости", материал позволяет свету просочиться сквозь него тусклым молочным сиянием. А в местах, где скульптура приоткрывается, обнажаясь в толще стекла, это свечение облачается в более тонкие градации. Не имеющие четких границ объекты Паловой позволяют зафиксировать текучесть движения расплавленного стекла в уже законченных композициях.

     Сентиментальная простота Паловой хороша заметна в скульптуре "Ностальгия" (2009), соединяющей полоски разрезанного стекла, будто бы собирая старые воспоминания. Работа устремлена вверх, достигая уровня монументального памятника, а метафорический смысл ее названия отсылает взгляд в пучину прошлого. 

     Вместе с тем динамика построения композиции создает ощущение высокой энергетики и жизненной важности, сводя на нет ностальгирующий взгляд через мутное стекло и одновременно давая обещание на будущее. В скульптурах Паловой не раз обнаруживается подобная двуликость, посредством которой высокая поэзия проявляет чувственные и физические переживания, испытываемые в нашем мире.