Уильям Моррис (William Morris)

 

     Родился в 1957 году в городе Кармель, США. Учился в Калифорнийском Университете в Чико (California State University, Chico), а затем - в Университете Вашингтона в Элленсберге (Central Washington University, Ellensburg) по направлению керамики. В 1978 году устроился на работу водителем в школу стекла Пилчук в Стенвуде (Pilchuck Glass School, Stanwood). Позднее начал работать вместе с Дейлом Чихули, основателем учебного заведения, впоследствии став главным стеклодувом школы. Моррис оставался с Чихули на протяжении 10 лет пока не основал собственную студию в 90-х годах. В 2008 году прекратил заниматься искусством.

     Моррису удалось разработать множество различных техник, которые он применял на практике в бесконечных сериях своих работ. В ранних произведениях пиктографического характера он заливал раскаленное стекло в формы, а затем окрашивал его, добиваясь серьезных результатов в без того сложной технике.

     В серии работ "Стоящие камни" Моррис сначала плавил стекло, вытягивая его в длину, затем вдувал его в деревянные формы, после чего подвергал цветовой обработке, придавая стеклу нужную текстуру и форму поверхности.
     Умению Морриса ваять из расплавленного стекла скульптуры наподобие человеческого скелета свойственна необычайная тонкость исполнения.

     Его работа с многозначным названием "Охотник" (Hunter, 1988) ставит перед нами вопрос: о каком охотнике идет речь? Видим ли мы перед собой останки скелета примитивного человека, когда-то бродившего по земле в поисках пищи для пропитания. Или охотник - это не что иное, как метафора времени, косящего каждого из нас ?
     Так или иначе, хрупкие сияющие кости, представленные Моррисом, являются воплощением текучего времени, символом окончания любой жизни, темой "Моменто мори", к которой автор постоянно прибегает в своих работах.

     В других произведениях Морриса можно также увидеть разрозненные фрагменты стекла, лежащие рядом друг с другом, образуя единую картину повествования. В духе модернистских скульптур Моррис выкладывает их прямо на пол или демонстрирует на низкой поверхности.

     Аналогично известной скульптуре Джакометти "Женщина с перерезанным горлом" (1932) охотник Морриса представляет линейные и извилистые формы с визуально ощутимой энергией их вибрации. Он максимально использует взаимоотношения твердых тел и заключенного между ними пространства.

Официальный сайт Уильяма Морриса:

www.wmorris.com

Тобиас Моль (Tobias Mohl)

     Родился в 1970 году в городе Ольберг (Aalborg), Дания. В возрасте 19 лет устроился подмастерьем на стекольную фабрику Холмгард (Holmegaard) неподалеку от Нестведа (Naestved), где в 1992 году получил разряд мастера. В продолжении своего пути берет три мастер-класса у Лино Таглиапьетра (1996, 1997, 2000), оказавшего значительное влияние на его художественный стиль. В настоящее время является владельцем студии стекла в Эбельтофте (Ebeltoft), где работает со своей женой Трине Дрившольм (Trine Drivsholm).

     Моль предпочитает классические скандинавские формы и одновременно использует венецианские техники. Поверхность его сосудов, сотканных из стеклянных прутков, напоминает фактуру ткани, орнамент которой переносится со стальных форм во время плавки изделия, а узоры сливаются с объектом, оставляя свой след на стекле.

     В работе "Тарелка с черными кружевами" (2009) тонкая грань между красотой и функциональностью проходит по деликатной и лаконичной палитре черно-белых цветов, образуя на поверхности стекла танцующие узоры символов. В первую долю секунды наш взгляд приковывает поверхность стекла, а затем прозрачность сосуда увлекает его в иную сторону, подчеркивая объем пространства, заключенный внутри.

     Визуальное удовольствие, которое мы испытываем, является центральной частью работ Моля, находя свое отражение в блюдах, сосудах и вазах автора. Он облачает их в торжественные наряды и драгоценности, поскольку главная задача этих предметов - радовать глаз, а не служить в быту. Хотя в сакральных целях они и не используются, может  быть они послужат утешением для человеческой души.

Официальный сайт Тобиаса Моля:

www.mohl-drivsholm.dk

Лино Таглиапьетра (Lino Tagliapietra)

     Родился в 1934 году в Италии на венецианском острове Мурано. В возрасте 11 лет работал подмастерьем у известного виртуоза Архимеде Сегузо (Archimede Seguso), а спустя 10 лет, в 1955 году получил звание Маэстро. После этого работал мастером-стеклодувом и дизайнером в итальянских стекольных домах Гальяно Ферро (Galliano Ferro), Венини (Venini), Ля Мурина (La Murrina) и Эффетре Интернейшнл (Effetre International).

     В 1983 году в ходе совместного мастер-класса с датско-голландским художником Андрис Дирк Копьер (Andries Dirk Copier) обнаруживает в стекле творческий потенциал самовыражения, а в 1988 году открывает собственную студию в Мурано.

     Таглиапьетра выдувает горячее стекло в духе классических венецианских мастеров: растягивает цветные стеклянные прутки в тончайшие нити и складывает из них прямые повторяющиеся узоры. Он разработал уникальную технику вращения оси выдуваемого  объекта для образования на его поверхности сложных орнаментов, которые затем дорабатывает в "холодных" техниках шлифовки и гравировки.

     Как и подобает одному из величайших мастеров актуального искусства стекла, Таглиапьетра демонстрирует нам полное владение предметом и контроль над материалом в работе "Динозавр" (Dinosaur, 2005). Вытянутое вверх и изогнутое в галлюциногенную петлю горло сосуда с излишней легкостью позволяет дотронуться до расплавленного стекла. Несмотря на забавное название, автор полагает, что его динозавр - это не птица, порхающая в небе, а, по сути, материальное существо, тяготеющее к земле, сделанное из материала чуть менее твердого, чем мы ожидали.

     На протяжении своего творческого пути Таглиапьетра проявлял большой аппетит к обновлению классических форм, когда разрабатывал все более и более сложные техники и цветовые решения. Похоже, что его руки способны сделать из стекла все, что он только пожелает. При этом в элегантных работах мастера всегда остается что-то от хозяйской руки ремесленника, - что-то, что отражает происхождение материала и его культуру.

     Все разнообразие работ Таглиапьетра, включая вазы и блюда, произведения с упрощенными формами и даже рисунки на стекле вроде "Shamamdura" (1999), характеризируются оптическим блеском декоративной традиции, выдающей любовь автора к текстурной поверхности.

Официальный сайт Лино Таглиапьетра:

www.linotagliapietra.com

Юлиус Вайланд (Julius Weiland)

 

     Родился в 1971 году в городе Любек, Германия. В 1995-2000 гг. изучал промышленный дизайн у Кицухито Нишикава (Katsuhito Nishikawa) и Энн Вульф (Ann Wolff) в Академии изящных искусств Гамбурга (Hochschule fur Bildende Kunste). После этого продолжил учебу в школе стекла Пилчук (Pilchuck Glass School) в Стенвуде, США, а затем прошел курс практической подготовки на стекольных заводах Швеции.

     В 2001 году завершает обучение и получает диплом гамбургской академии искусств. В настоящее время работает вольным художником в Берлине, где открыл собственную студию на заброшенном заводе.

     Стекляные трубки промышленного производства, обычно используемые в лабораториях, служат сырьем для работ Вайланда. Сначала он разрезает их, а затем сплавляет в термоустойчивых формах, изготовленых собственными руками.

     Он управляет процессом плавки, убавляя огонь, пока трубки еще сохраняют свою форму, или же выключая его, когда те начинают проявлять признаки разрушения.

     Органичные формы, рождаемые техникой Вайланда, относятся к атуальному искусству и перекликаются также с пост-минимализмом скульптур Евы Хессе (Eva Hesse). Они не представляют чего-то конкретного и одновременно указывают, как в работе "Пленум" (Plenum, 2008), на процесс формального дробления - варьирования формы объекта со сложной и уникальной по своей сути структурой.

     Такая неоднозначность работ Вайланда становится возможной благодаря хрупкости стекла и проходяшим сквозь него лучам света. Акцент при этом ставится на рассмотрение структуры органических форм как места, где встречается природа и творение человеческих рук.

Официальный сайт Юлиуса Вайланда:

www.juliusweiland.com

Ирина Зертова (Jirina Zertova)

     Родилась в 1932 году в Праге, где живет и работает и по сей день. После окончания пражской школы графического дизайна продолжает учебу на отделении стекла Иосифа Каплицкого (Josef Kaplicky) в школе прикладного искусства (1950-1955 гг.). Затем работала дизайнером бытовых изделий из стекла в чешской стекольной промышленности, а в начале 70-х решила полностью посвятить себя свободному творчеству.

     Зертова наносит на  листовое стекло непрозрачные рисунки, сооружая из них  ансамбли,  напоминающие по форме разрезанную слоями скульптуру. Ее работы обычно выставляются на зеркальных подставках, чтобы вызвать у зрителя ощущение отсутствия в них начала и конца, а также для демонстрации вертикальной оси как центра композиции.

     Архитектурный масштаб творчества Зертовой находится во внутреннем противоречии со скромными размерами ее работ, создавая иллюзию восприятия их истиной величины. На  какое-то мгновение мы понимаем, что стали маленькими, как Алиса в стране чудес, неожиданно осознавшая насколько она мала, и насколько огромен мир, лежавший прежде у ее ног.

     Работы наподобие "Ворот света" (Gate of Light, 2004) позволяют вплотную прикоснуться к процессу познания, проводя параллель между скульптурами Зертовой и устройством для ориентирования в пространстве.

     Геометрическая строгость композиции выступает в качестве якоря, удерживающего полет нашей мысли и воображения в поиске нужных координат. Сокрытая в глубине скульптуры форма показывает спуски и подъемы, по которым несутся наши глаза, унося также и наше миниатюрное тело в воображаемое путешествие.

Бертиль Валлин (Bertil Vallien)

     Родился в 1938 году в Стокгольме, Швеция. Спустя два года (в 1963 году) после получения первой степени по искусству в университете Констфак (Konstfack) начал работать дизайнером в шведском доме стекла Коста Бода (Kosta Boda). В 70-е годы для его проектов была выделена целая мастерская. Сегодя читает лекции по всему миру, продолжает работать и заниматься дизайном в шведском городе Офорс.

     Валлин работает с песочными литейными формами, которые в основном применяются для плавки металлов. Расплавленный на поверхности песок делает стекло полупрозрачным, заставляя его светиться изнутри.

     Когда Валлин укладывает слоями расплавленное стекло, он размещает внутри него вставки из элементов, символизирующих путешествие человеческой жизни.

     Затянувшееся увлечение символизмом отразилось на фольклорном характере его работы "Почему 2" (2008), раскрывающем такие общечеловеческие чувства, как тоска и страстная тяга к дому, а в конечном счете и осознание смерти.

     Работа Валлина "Почему" перекликается с заголовком известной картины Поля Гогена "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?" (1897). Лодка является символом средства передвижения по жизни, а покоящийся внутри нее образ одновременно и спрашивает и отвечает на эти вопросы.

     Аналогично тому, как фольклор часто опирается на жгучее чувство ностальгии и тоски, так и лестница, лежащая в изголовье, ассоциируется с идолом перемен и угасания. Образы Валлина символизируют тотемы воспоминаний при том, что работа его одарена немалым чувством юмора (некоторые фигурки изображены в роли комичных персонажей, характерных для театра кукол).

     "Жреческие" лица его крупномасштабных скульптур, стоящих как стража в воротах усыпальницы, являются характерной чертой творчества Валлина, особенно ярко проявившейся в работе "Дозорный 3" (Watcher 3, 2009). Пристальный взор этого стойкого стража задает нам иной вопрос: кто он - смотритель, и за кем он следит ?

Официальный сайт Бертиль Валлина:

www.bertilvallien.com

Энн Вольф (Ann Wolff)

     Родилась в 1937 году в немецком городе Любек. В 1956-59 гг. училась в высшей школе дизайна в Ульме (Hochschule fur Gestaltung), но неожиданно бросила учебу и переселилась в Швецию для работы дизайнером в стекольной промышленности.

     В 1977 году становится преподавателем в школе стекла Пилчук в Стенвуде, США. Спустя год основала собственную студию в Трансио (Transjo), Швеция, и начала проводить мастер-классы по всему миру. В 1993-98 гг. преподает в высшей школе изящных искусств Гамбурга (Hochschule fur Bildende Kunste). Сегодня успевать жить и работать в нескольких городах Швеции и Германии, открыв мастерские в Килайе (Kyllaj), Готланде (Gotland) и Берлине.

     Вольф пользуется слоями стекла для создания работ, напоминающих коллажи. Она соединяет ровные поверхности цветного или прозрачного стекла таким образом, что размещенные друг за другом слои вызывают чувство расступления пространства.

     Подобные скульптуры всегда представляют некоторую двуликость: снаружи - маска, а внутри - скрытое за ней лицо.

     Вольф отливает скульптуры в обжиговых печах, в которых расплавленное стекло заливается в форму, а в течение последующих трех недель закаляется и остывает в калильной печи.

     Как и большинство работ Анны Вольф "Проигранный блюз" (Lost Blues, 2007) дает повод задуматься о присущем всем нам раздвоении личности. Двуликие портреты раскрывают образ Януса, древнеримского бога ворот и дверей, голова которого изображается двумя лицами, глядящими в разные стороны. Янус - это сложный и противоречивый дух, мечущийся из стороны в сторону: квинтэссенция дилеммы существования в нашем мире тяжелых этических вопросов и путей их решения.

     В работе "Проигранный блюз" подобная идея раздвоения личности воплощена в глубоком выражении глаз, запечатлевшем внутреннее созерцание над меланхоличной мелодией, ускользающей в нашем сознании.

Официальный сайт Энн Вульф:

www.annwolff.se