Юлиус Вайланд (Julius Weiland)

 

     Родился в 1971 году в городе Любек, Германия. В 1995-2000 гг. изучал промышленный дизайн у Кицухито Нишикава (Katsuhito Nishikawa) и Энн Вульф (Ann Wolff) в Академии изящных искусств Гамбурга (Hochschule fur Bildende Kunste). После этого продолжил учебу в школе стекла Пилчук (Pilchuck Glass School) в Стенвуде, США, а затем прошел курс практической подготовки на стекольных заводах Швеции.

     В 2001 году завершает обучение и получает диплом гамбургской академии искусств. В настоящее время работает вольным художником в Берлине, где открыл собственную студию на заброшенном заводе.

     Стекляные трубки промышленного производства, обычно используемые в лабораториях, служат сырьем для работ Вайланда. Сначала он разрезает их, а затем сплавляет в термоустойчивых формах, изготовленых собственными руками.

     Он управляет процессом плавки, убавляя огонь, пока трубки еще сохраняют свою форму, или же выключая его, когда те начинают проявлять признаки разрушения.

     Органичные формы, рождаемые техникой Вайланда, относятся к атуальному искусству и перекликаются также с пост-минимализмом скульптур Евы Хессе (Eva Hesse). Они не представляют чего-то конкретного и одновременно указывают, как в работе "Пленум" (Plenum, 2008), на процесс формального дробления - варьирования формы объекта со сложной и уникальной по своей сути структурой.

     Такая неоднозначность работ Вайланда становится возможной благодаря хрупкости стекла и проходяшим сквозь него лучам света. Акцент при этом ставится на рассмотрение структуры органических форм как места, где встречается природа и творение человеческих рук.

Официальный сайт Юлиуса Вайланда:

www.juliusweiland.com

Ирина Зертова (Jirina Zertova)

     Родилась в 1932 году в Праге, где живет и работает и по сей день. После окончания пражской школы графического дизайна продолжает учебу на отделении стекла Иосифа Каплицкого (Josef Kaplicky) в школе прикладного искусства (1950-1955 гг.). Затем работала дизайнером бытовых изделий из стекла в чешской стекольной промышленности, а в начале 70-х решила полностью посвятить себя свободному творчеству.

     Зертова наносит на  листовое стекло непрозрачные рисунки, сооружая из них  ансамбли,  напоминающие по форме разрезанную слоями скульптуру. Ее работы обычно выставляются на зеркальных подставках, чтобы вызвать у зрителя ощущение отсутствия в них начала и конца, а также для демонстрации вертикальной оси как центра композиции.

     Архитектурный масштаб творчества Зертовой находится во внутреннем противоречии со скромными размерами ее работ, создавая иллюзию восприятия их истиной величины. На  какое-то мгновение мы понимаем, что стали маленькими, как Алиса в стране чудес, неожиданно осознавшая насколько она мала, и насколько огромен мир, лежавший прежде у ее ног.

     Работы наподобие "Ворот света" (Gate of Light, 2004) позволяют вплотную прикоснуться к процессу познания, проводя параллель между скульптурами Зертовой и устройством для ориентирования в пространстве.

     Геометрическая строгость композиции выступает в качестве якоря, удерживающего полет нашей мысли и воображения в поиске нужных координат. Сокрытая в глубине скульптуры форма показывает спуски и подъемы, по которым несутся наши глаза, унося также и наше миниатюрное тело в воображаемое путешествие.

Бертиль Валлин (Bertil Vallien)

     Родился в 1938 году в Стокгольме, Швеция. Спустя два года (в 1963 году) после получения первой степени по искусству в университете Констфак (Konstfack) начал работать дизайнером в шведском доме стекла Коста Бода (Kosta Boda). В 70-е годы для его проектов была выделена целая мастерская. Сегодя читает лекции по всему миру, продолжает работать и заниматься дизайном в шведском городе Офорс.

     Валлин работает с песочными литейными формами, которые в основном применяются для плавки металлов. Расплавленный на поверхности песок делает стекло полупрозрачным, заставляя его светиться изнутри.

     Когда Валлин укладывает слоями расплавленное стекло, он размещает внутри него вставки из элементов, символизирующих путешествие человеческой жизни.

     Затянувшееся увлечение символизмом отразилось на фольклорном характере его работы "Почему 2" (2008), раскрывающем такие общечеловеческие чувства, как тоска и страстная тяга к дому, а в конечном счете и осознание смерти.

     Работа Валлина "Почему" перекликается с заголовком известной картины Поля Гогена "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?" (1897). Лодка является символом средства передвижения по жизни, а покоящийся внутри нее образ одновременно и спрашивает и отвечает на эти вопросы.

     Аналогично тому, как фольклор часто опирается на жгучее чувство ностальгии и тоски, так и лестница, лежащая в изголовье, ассоциируется с идолом перемен и угасания. Образы Валлина символизируют тотемы воспоминаний при том, что работа его одарена немалым чувством юмора (некоторые фигурки изображены в роли комичных персонажей, характерных для театра кукол).

     "Жреческие" лица его крупномасштабных скульптур, стоящих как стража в воротах усыпальницы, являются характерной чертой творчества Валлина, особенно ярко проявившейся в работе "Дозорный 3" (Watcher 3, 2009). Пристальный взор этого стойкого стража задает нам иной вопрос: кто он - смотритель, и за кем он следит ?

Официальный сайт Бертиль Валлина:

www.bertilvallien.com

Энн Вольф (Ann Wolff)

     Родилась в 1937 году в немецком городе Любек. В 1956-59 гг. училась в высшей школе дизайна в Ульме (Hochschule fur Gestaltung), но неожиданно бросила учебу и переселилась в Швецию для работы дизайнером в стекольной промышленности.

     В 1977 году становится преподавателем в школе стекла Пилчук в Стенвуде, США. Спустя год основала собственную студию в Трансио (Transjo), Швеция, и начала проводить мастер-классы по всему миру. В 1993-98 гг. преподает в высшей школе изящных искусств Гамбурга (Hochschule fur Bildende Kunste). Сегодня успевать жить и работать в нескольких городах Швеции и Германии, открыв мастерские в Килайе (Kyllaj), Готланде (Gotland) и Берлине.

     Вольф пользуется слоями стекла для создания работ, напоминающих коллажи. Она соединяет ровные поверхности цветного или прозрачного стекла таким образом, что размещенные друг за другом слои вызывают чувство расступления пространства.

     Подобные скульптуры всегда представляют некоторую двуликость: снаружи - маска, а внутри - скрытое за ней лицо.

     Вольф отливает скульптуры в обжиговых печах, в которых расплавленное стекло заливается в форму, а в течение последующих трех недель закаляется и остывает в калильной печи.

     Как и большинство работ Анны Вольф "Проигранный блюз" (Lost Blues, 2007) дает повод задуматься о присущем всем нам раздвоении личности. Двуликие портреты раскрывают образ Януса, древнеримского бога ворот и дверей, голова которого изображается двумя лицами, глядящими в разные стороны. Янус - это сложный и противоречивый дух, мечущийся из стороны в сторону: квинтэссенция дилеммы существования в нашем мире тяжелых этических вопросов и путей их решения.

     В работе "Проигранный блюз" подобная идея раздвоения личности воплощена в глубоком выражении глаз, запечатлевшем внутреннее созерцание над меланхоличной мелодией, ускользающей в нашем сознании.

Официальный сайт Энн Вульф:

www.annwolff.se

Стефен Дам (Steffen Dam)

     Родился в 1961 году в городе Орхус (Aarhus), Дания. Учился на инженера-технолога, затем начал работать на производстве форм для пластиковых объектов. Под влиянием книги датского художника Фин Лингаард (Finn Lynggaard) о техниках работы со стеклом, оставил прежнее место работы и пересел за гончарный круг, увлекшись изделями из глины, а в 80-х годах принял решение полностью посвятить себя стеклу.

     С тех пор успел поработать со стеклом в технике итальянских мастеров, научился отливать стеклянные формы в духе шведского художника Бертиль Валлин (Bertil Vallien), а также прошел обучение в школе стекла Пилчук (Pilchuck Glass School) в Стенвуде, США. В 1990 году совместно со своей женой, художником по стеклу Михой Марией Карлслунд (Micha Maria Karlslund), открывает студию в Орхусе, которая в 2000 году перезжает в Хандруп (Handrup), Дания.

     Дам работает с несколькими слоями расплавленного стекла, одновременно подвергая его "холодной" обработке для придания округлых форм и демонстрации эффекта рентгеновского снимка. Прозрачная красота его работы "Экспозиция окаменелостей" (2009), как и большинство последних работ, черпает вдохновение из морских глубин.

     Изобретательность природы проявляется в огромном изобилии морских форм жизни, постоянно пополнящих научную классификацию видов и указывающих на бесконечное разнообразие живых организмов.

     Скрупулезный, как в научном исследовании, характер экспозиции охватывает и человеческий организм. Благодаря своим аналитическим способностям он раскладывает по полочкам окружающий мир и вносит в него иное богатство, богатство знаний.

Официальный сайт Стефена Дама:

www.damogkarlslundglas.dk

Ричард Джолли (Richard Jolley)

    Родился в 1952 году в г.Уичита (Wichita), США. В 1974 году получает первую степень педагогического колледжа Джорджа Пибоди при университете Вандербилта (Нэшвилл, США). Последние 30 лет живет и работает в Ноксвилле, США.

    Джолли создает скульптуры из горячего стекла в уникальной технике плавления и выдувания, требующей работы на расстоянии нескольких сантиметров от раскаленного стекла. Полученные таким образом фигуры он соединяет друг с другом в единое художественное произведение.

    Работы Джолли представляют собой стилизованные образы классических модернистов вроде Фернана Леже (Fernand Leger). Он выстраивает их как героев "живых картин" (tableaux vivants) для воссоздания бытовых аллегоричных сцен.

    Например, его "Легкодум 6" (Feather Head #6, 2009) находится в свободном полете фантазии: две человеские головы, по-видимому занятые работой, несут на себе птицу, вскарабкавшуюся на самый верх, как бы символизируя последнюю инстанцию мысли.

    Данная метаморфоза является не только развлекательной стороной древних нравоучений поэта Овидия, но и благодаря своему материальному воплощению в черном стекле показывает сильное напряжение между тяжелой непроницаемостью тьмы и дуализмом света: физическим свечением и свободой воображения, уносящего в небеса.

Петер Бремерс (Peter Bremers)

     Родился в 1957 году в городе Маастрихт (Нидерланды). С 1976 по 1980 гг. учился скульптуре в местном университете на отделении изящных искусств. В 1986-88 гг. изучал трехмерный дизайн в академии Яна Ван Эйка в Амстердаме, где на него оказал влияние датско-голландский художник по стеклу Андрис Дирк Копьер (Andries Dirk Copier); после этого он продолжает стажировку у Лино Таглиапьетра в академии Геррит Ритвельд (Gerrit Rietveld), Амстердам. Сегодня живет и работает в Эйнигхаузене (Einighausen), Голландия, и иногда совершает поездки в Чехию для выполнения литейных работ.

     Свои произведения Бремерс отливает в специальных печах для обжига, после чего обтачивает и полирует их. В начале рождается дизайнерская идея, которая обыгрывается в цвете при отливке, а затем изделие проходит стадию отделки и шлифовки.

     Его работа "Ледники и прочее 66", созданная Бремерсом в 2006 году под впечатлением от увиденных в Антарктиде айсбергов, является образной и абстрактной одновременно. Скользящая и ухабистая поверхность стекла с пойманным внутри него светом связывает визуальный образ стекла и льда, - оба материала представляют собой затвердевшую жидкость.

     Можно назвать работы Бремерса световыми устройствами, используемыми для подпитки глаза частицами света, поглощенного голубой искрящейся бездной вод.

Официальный сайт Петера Бремерса:

www.bremers.com

Ховард Бен Тре (Howard Ben Tre)

     Родился в 1949 году в Бруклине (США). Свою первую степень в области искусств получает в 1978 году в Университете Портленд, а затем продолжает учебу у Дейла Чихули в школе дизайна Род-Айленд (США), где в 1980 году заканчивает вторую степень. Сегодня живет и работает в городе Провиденс (Род-Айленд, США).

     Работы Бен Тре представляют собой крупные архитектурные формы и монументальные объекты, изготовленные в технике плавления путем слияния тяжелых массивов расплавленного стекла. Он неоднократно прибегает к сочетаниям стекла с другими материалами (камнем, железом, бронзой, латунью, сусальным золотом) чтобы подчеркнуть форму скульптуры, или размещает их внутри стекла, позволяя засиять сквозь него особым светом.

     Устремленная вверх "Колонна 41" (2001) Бен Тре возвышается над нашими головами, заключая в себе символ надежды. В это время наши глаза исследуют ее стройную уходящую в небеса форму, обрамленную латунными поясами. А когда взор достигает ее вершины, и нам становится ясно, что это никакая не опора ни для какого здания, мы вдруг осознаем, что, кому нужная опора и поддержка - так это нам самим. С ней мы ощущаем себя участниками победоносного марша, шагающими вдоль длинного ряда подобных колонн. С осанкой и расправленными плечами, как у опоры Бен Тре, мы понимаем, что значит быть стройным и свободным, что значит быть победителем.

     При этом образ одиноко стоящей колонны напоминает нам уцелевшие останки древней цивилизации, а победоносное шествие вызывает чувство меланхолии, витающее в музеях среди археологических экспонатов. Подобная двусмысленность придает работе Бен Тре дополнительную глубину, а его произведения оставляют в сознании отпечаток сложных иконных символов.

Официальный сайт Ховарда Бен Тре:

www.bentre.com

Лючи Бубакко (Lucio Bubacco)

   Родился в 1957 году в Италии на венецианском острове Мурано. Еще будучи ребенком научился создавать маленькие фигурки животных, бусы и таблички из стекла. В возрасте 15 лет самостоятельно изучил продвинутые техники работы со стеклом и начал продавать свои изделия. В 1980 году учился анатомическому рисунку у венецианского художника Алессандро Росси. Вплоть до сегодняшнего дня живет и работает на острове Мурано.

     Бубакко использует газовую горелку, чтобы разогреть цветные стеклянные прутки, а затем придать им нужную форму с помощью выдувания или растягивания. Благодаря абсолютной власти над горячим стеклом и искусным маневрам, которые он совершает подобно движениям кисти художника, в его руках рождаются мельчайшие детали тонких пальчиков и ладошек, головки и лепестки цветов. В отличие от распространенной практики современного стекольного ремесла, обычно подразумевающего работу в коллективе, Бубакко предпочитает работать в одиночку.

     Бубакко одарен исключительным талантом, а его любовь к библейским текстам и мифологическим рассказам находит свое отражение в стиле ярко-выраженного рококо, не имеющего аналогов в нашем мире. Его высоко-амбициозная работа "Вечное искушение" (Eternal Temptation, 2007-2008) может послужить наглядной иллюстрацией  таким популярным эпосам, как "Божественная комедия" Данте или "Потерянный рай" Милтона. В рамках одной работы автор попытался уместить путь вожделения, смертных мук содеянного греха, избавления и земных удовольствий.

     Сотни миниатюрных фигурок из стекла переплелись в едином хоре оперного многоголосия, свидетельствующего о чудесных способностях Бубакко и его абсолютном игнорировании искусства нынешнего и прошлого столетия. При этом его работы – не только "Вечное искушение", но и ряд светильников и предметов интерьера – насквозь пропитаны духом модернизма, например текучим пигментом, так характерным искусству 20-21 веков. В этом смысле Бубакко является путешественником во времени, обращаясь к любым угодным ему средствам выражения, например рисунку, с радостью предаваясь анахронизмам.

     Беспрецедентный масштаб "Вечного искушения" ошеломляет нас множеством деталей, широким размахом повествования и своей продуманностью. Во время просмотра работы автору удается убедить нас хотя бы на мгновение, что мы сами оказались в путешествии в иной мир и в ином времени. "Вечное искушение" выходит за рамки заурядности благодаря виртуозному исполнению и физической цельности своего повествования.

     Сегодня, пожалуй, очень трудно найти художника в какой-либо области, совмещающего такой уровень владения ремеслом и необычайную тягу к повествованиям, оторванным от исторической действительности.  Кто-то увидит в этом признаки постмодернизма, но работа Бубакко выходит за рамки поверхностного определения какого-то одного стиля, поскольку ее содержание соответствует поступкам человека в любой точке истории его суетной жизни.
     Большой этический вклад Бубакко в человеческую трагикомедию – вот, что вписывает его в панораму современного искусства.

Официальный сайт Лючи Бубакко:

www.luciobubacco.com